Présentation des artistes
Dominic
Besner
Dominic Besner est né en 1965, à North Lancaster en Ontario, il a terminé un bac en architecture à l’Université de Montréal en 1992. Il se consacre à son art de façon professionnelle depuis 1995. Il expose sur quatre continents. Sa fréquentation du milieu universitaire lui a inculqué un regard critique lui permettant de définir sa vision d’un milieu de vie axé sur l’humain, avec une préoccupation pour le passé, le présent et l’avenir. Besner emploie une technique mixte sur canevas; il privilégie le bâton à l’huile en employant une technique d’application avec les doigts.
« Jaquette du conteur » année 2022, technique mixte, 24 x 20 p.
Jaquette de nuit
Jaquette du conteur
Ton souffle récital
Se perd dans ma plaine.
Rêve, Rêve, Fuis l’horizon
Porte l’incroyable jusqu’à mon être onirique
Le dormeur
Présentation des artistes
Mercedes
Font
Mercedes Font vit et travaille à Montréal. Elle détient une maîtrise (1998) et un baccalauréat en arts plastiques (1986) de l’Université du Québec à Montréal. Active depuis 1986, sa pratique artistique allie peinture, dessin et installation. Elle a présenté son travail lors d’expositions individuelles et collectives (Québec, Suisse et Ukraine). Boursière du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec, dont le studio du Québec à Bâle (Suisse). Elle a réalisé plusieurs projets d’intégration des arts à l’architecture. Professeure au département d’arts visuels du Cégep du Vieux Montréal de 1995 à 2022. Ses œuvres font partie de collections privées et publiques dont celle du Musée national des beaux-arts du Québec.
Cette œuvre fait partie de la série Aspirateurs. Elle s’inspire de tableaux constructivistes, modernes et post-modernes. L’aspirateur, appareil domestique par excellence pour aspirer poussières ou liquides, devient l’objet usuel à travers lequel s’élabore une réflexion ludique sur la peinture. Peindre implique un mouvement de balancier entre sensation, inspiration, aspiration, accumulation, intégration et projection.
Aspirateur V / Portrait d’un Miele, année 2004, médium acrylique sur toile, 48.5 x 35.5cm
Crédit photo : Guy L’Heureux (Oeuvre)
Crédit photo : Richard-Max Tremblay (Portrait)
Présentation des artistes
Nathalie
Racicot
Nathalie Racicot, originaire de Mont-Saint-Hilaire, demeure à Cookschire depuis 1988. Sa passion pour l’art est animée par deux grands artistes qu’elle côtoie durant sa jeunesse, Jordi Bonet et Laurent Bonet. Détentrice d’un certificat en arts visuels à l’Université de Sherbrooke, elle poursuit ses recherches dans divers cours et ateliers avec plusieurs artistes. Elle collabore, en 2005, à un projet collectif dans le cadre du cours de l’in situ avec Diane Boudreault, artiste multidisciplinaire et directrice des arts visuels à l’Université de Sherbrooke. Elle participe à quelques expositions collectives et au projet des 5 murales créés pour les 60 ans de l’Université de Sherbrooke. Elle vise à monter les échelons un à un et qui sait, percer à l’international. Sensible à des causes humanitaires, elle fait des dons d’œuvres pour l’Association du cancer du Québec en 2013 et pour le Club des petits déjeuners pour la Polyvalente de East-Augus, dans le but de ramasser des fonds pour les deux causes qui la touchent beaucoup.
Facebook Nathalie Racicot
Fluidité, année 2017, technique mixte, 24 x 24 p.
Présentation des artistes
Michel
Tremblay
Figure dominante de la littérature québécoise, MICHEL TREMBLAY a érigé depuis la fin des années 1960 une œuvre imposante, comme dramaturge, romancier, traducteur, adaptateur et scénariste : 30 pièces de théâtre (incluant 2 adaptations de ses propres œuvres), 2 comédies musicales, 31 romans, 1 recueil de contes, 7 recueils de récits autobiographiques, 7 scénarios de films, 47 traductions ou adaptations d'auteurs étrangers, 1 livret d'opéra, 1 cycle de chansons ainsi que les paroles d'une quinzaine de chansons. Toutes publiées, plusieurs pièces de Tremblay ont été acclamées au Canada, aux États-Unis et un peu partout en Europe. Il est cité dans les dictionnaires Larousse et Robert, l'encyclopédie Who's Who et le Dictionary of International Biography. Six fois boursier du Conseil des Arts du Canada, Michel Tremblay a reçu plus de 85 prix au cours de sa carrière, dont les prestigieux Prix Prince Pierre de Monaco et Prix Gilles-Corbeil de la Fondation Émile-Nelligan pour l’ensemble de son œuvre. En 2018, l’Académie française lui a décerné le Grand Prix de la Francophonie.
Photo de l'artiste par Laurent Theillet
Sans titre….
Encre sur papier
20 X 14 p.
Présentation des artistes
Jibé
Laurin
Jibé Laurin est diplômée en Graphisme du CégepAhuntsic et a complété un baccalauréat en beaux-arts avec majeure en Design à l’Université Concordia. Elle expose ses œuvres en tant qu'artiste en arts visuels depuis quelques années lors de différentes expositions individuelles et collectives au Québec.
La flore, la faune et la géologie sont ses principales sources d'inspiration. Donner une deuxième vie à des matières ayant déjà un vécu constitue une part de sa démarche. Depuis 2019, l'artiste incorpore dans ses œuvres des matériaux recyclés, dont l'acier de voitures, une matière qu'elle affectionne particulièrement pour composer des tableaux où les reliefs et les textures sont mis de l'avant. Elle utilise l'industriel pour composer le naturel.
Titre :Terre & Mer, 2023, acier recyclé de voitures et acier sur panneau de bois,
10" x 10" x 2-7/8"p. Cette pièce fait partie d'une collection d'œuvres métalliques intitulées Steel Life créées en hommage à la nature.
Présentation des artistes
Line
St-Jean
Native de Montréal, elle fait des études en arts plastiques. C'est plutôt de manière autodidacte qu’elle se réalise comme artiste multidisciplinaire. C’est dans l'esprit du Wabi-Sabi, qui est de percevoir la beauté dans l’irrégularité et l’imperfection, que les mouvements organiques et les empreintes du temps cohabitent dans son langage visuel. Sa pratique artisanale influe sur les médiums utilisés. Ainsi, l’inattendu de la matière crée tout d’abord formes, textures et atmosphères, entre ciel et terre, entre l’ombre et la lumière. S’imposent aussi des personnages éthérés rappelant ceux qui nous précèdent et la nature du vivant avec ses multitudes connexions invisibles. Toucher l’âme ou l’essence de l’être est dans la mesure dans laquelle elle se révèle à moi-même et cela est un parcours sans fin d’un point de vue spirituel.
L’empreinte de nos ancêtres dans notre ADN est-elle seulement physique ?
Titre : ADN, 2023, médium : Caséine, plâtre, brou de noix
Dimensions : 24 x 30 x 1,5 p
linestjean.com
Présentation des artistes
Lise
Leroux
Lise Leroux vit et travaille en Montérégie. Bachelière en arts visuels de l’UQAM, elle se perfectionne en 2010 en art imprimé à l’Atelier Circulaire et à l’Atelier-Galerie Alain Piroir de Montréal. Lise Leroux participe à de nombreuses expositions collectives, en plus de deux expositions solos à Montréal en 2019. Elle obtient le prix d’excellence au Salon d’automne du Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire en 2022. Née en milieu agricole, la terre est pour elle une source inépuisable d’inspiration. Figuration et abstraction composent ses œuvres. Ses formes organiqueslaissent entrevoir des traces et des empreintes, créant ainsiune topographie surréaliste. Lise Leroux propose un monde très personnel, inédit, des espaces déconstruits qui laissent place à l’imagination. Elle utilise une palette composée de teintes neutres avec dominante de gris. Elle travaille présentement sur une série qui s’intitule Territoires improbables. L’œuvre proposée à l’encan fait partie de cette série.
Titre: Clair-obscur de mon enfance, 2019, acrylique et techniques mixtes sur bois,
24 p x 36 p x 1.5 p
site web: https://aapars.com/lise-leroux/
Présentation des artistes
Mariclair
Plante
Mariclair Plante a amorcé sa carrière artistique en 1995. Autodidacte, sa formation non conventionnelle est acquise au fil des ans par sa détermination, ses rencontres, ses expériences, ses voyages, ses lectures et ses ateliers de grands maîtres. Son inspiration est révélée dans sa liberté d’expression, sa gestuelle énergique et sensorielle touche la profondeur des sentiments. À partir de 2005, elle se consacre à temps plein à sa pratique artistique, elle développe son propre style et participe à de nombreuses expositions. Depuis, elle est reconnue par ses pairs et cumule des prix au Canada, en France et aux États-Unis. Ses œuvres ont séduit les collectionneurs du monde entier. Elle est représentée par plusieurs galeries au Canada et à l’International.
Cette œuvre symbolise les sentiments d’harmonie, avec la présence de notes de musique et le violoncelle, qui s’élève au-dessus du tumulte planétaire.
Titre : Vivre en harmonie, 2020, techniques mixtes - acrylique, 24 x 60 p.
Présentation des artistes
Véronique
Komlosy
Véronique Komlosy est une artiste peintre depuis près de trente ans. Née à Plessisville, dans la région des Bois-Francs d’un père hongrois et d’une mère française, elle vit maintenant à Mont-Saint-Hilaire. Au décès de sa mère, à l’âge de huit ans, elle découvre un intérêt pour les arts et elle prend conscience que l’art lui fait du bien. Dès ce moment, elle passe beaucoup de temps à observer ce qui l’entoure.
Détentrice d’un Baccalauréat en Arts visuels et d’un Certificat en éducation, son parcours artistique s’est poursuivi à travers la création et l’enseignement des arts au secondaire. Dans ses tableaux, la profondeur de ses fonds est sa signature. Elle travaille plusieurs séries à la fois, laissant libre cours à son imaginaire.
Véronique a participé à plusieurs expositions ainsi qu’à des concours au Québec et à l’étranger. Elle a d’ailleurs gagné la médaille d’argent lors du Concours international mondial Art Academia 2021, catégorie Portrait, ainsi qu’une mention honorifique de la même année, catégorie Figuratif ainsi que d’autres prix de reconnaissance.
Titre : Je m’y sens bien, 2023, acrylique sur toile de coton, 24 x 36 p.
veroniquekomlosy.com
Présentation des artistes
Francine
Vernac
Artiste en arts visuels, Francine Vernac a présenté ses œuvres, depuis plus de trente ans, au Québec, au Canada, en Europe, aux États-Unis, en Tunisie et au Japon. Autodidacte, elle a suivi plusieurs classes de maîtres et siégé sur des jurys. Ses œuvres illustrent livres et recueils et font partie de collections privées et publiques. Elle a fondé et dirigé Le Loup de Gouttière, maison d’édition de Québec, pendant plus de vingt ans. En 2007, elle remporte le prix de L’Institut canadien de la Ville de Québec, pour l’ensemble de sa carrière. En 2023, elle sera, entre autres, des expositions Instants d’atelier au Musée Vaudreuil-Soulanges et La bibliothèque, inspirée de La Bibliothèque de Babel, à la Galerie Montcalm à Gatineau.
Cette œuvre est inspirée des paysages photographiés à la suite d’un déménagement. Je voulais faire état des mouvements intérieurs qu’ils faisaient monter en moi, nouvelle venue sur ces territoires.
Alternance V à VIII, 2015, techniques mixtes sur papier japonais marouflé sur toile
45,72 cm x 61cm
www.facebook.com/francine.vernac
francinevernac.blogspot.com
Présentation des artistes
France
Malo
Créatrice multidisciplinaire de vocation, France Malo est membre professionnel de plusieurs associations, dont le RAAV, CMAQ et ICA International. MALO poursuit actuellement sa recherche artistique sur l’être humain actif et sur son environnement à travers les séries Art Sport et Architectures Contemporaines-Climatiques. La maîtrise de la couleur, la passion du dessin et l’intérêt pour l’écriture lui offrent cette versatilité qui transparaît dans un répertoire élargi sur plus de 45 années. Intronisée artiste officielle de la Fédération québécoise des Sports cyclistes en 2016 et Grand Maître de l’Académie internationale des Beaux-arts du Québec en 2019, MALO s’est donné la mission d’introduire l’art dans le sport et le sport dans l’art. Récipiendaire de nombreux prix et bourses au Québec et à l’international, ses réalisations sont dispersées sur tous les continents.
Titre : Pour la Cause-Mission Art Sport, 2022, technique mixte : encre noire, acrylique, aérosol, support de papier à franges Lanaquarelle, dimensions 22.3 x 56 x 76 cm.
Présentation des artistes
Gabriel
Lalonde
Gabriel Lalonde, artiste prolifique, a longtemps promené ses images et ses mots à travers le monde. Depuis plus de trente ans, ses œuvres ont été exposées au Québec, au Canada, aux États-Unis, en Europe, plus particulièrement en France, en Belgique, en Angleterre, en Suisse, en Allemagne et au Japon. Ses œuvres font partie de collections privées, publiques et elles illustrent de nombreux livres. Toujours très actif, il a exposé en 2022, Des signes d’humains au Musée Marius-Barbeau (Saint-Georges de Beauce) et Les silences nécessaires à l’Espace Pierre-Debain (Gatineau). Il a également participé à plusieurs événements et expositions collectives. En 2023, il sera, entre autres, des expositions Instants d’atelier au Musée Vaudreuil-Soulanges et La bibliothèque, inspirée de La Bibliothèque de Babel, à la Galerie Montcalm à Gatineau.
Je peins, assemble, sculpte toutes les matières, neuves ou recyclées. Je défais, déchire, altère, dé-construis matériauxet supports, pour les reconstruire autrement. Mon travail propose une apologie de l’imperfection.
De la beauté de l’inutile, regroupement 4, 2021, techniques mixtes sur bardeaux de bois
77 cm x 31 cm
Photographies de l’exposition Le Geste est une parole au Centre d’art Diane-Dufresnehttps://drive.google.com/drive/folders/1G4cGM-KgZtQIQNKZSuB2n8M79SKezAga?usp=sharing
Présentation des artistes
Mathieu
Laca
Mathieu Laca découvre la peinture à l’âge de 17 ans, grâce à la rencontre déterminante de deux professeurs de son école secondaire. Il façonne des personnages noueux et torturés, reflétant les tourments de son adolescence. Il poursuit ses études en arts plastiques au Cégep et en arts visuels à l’Université Concordia. « J’aime peindre des portraits d’écrivains, d’artistes, de philosophes, de musiciens et de personnages historiques qui m’ont marqué. J’essaie de traduire leur psyché, leur œuvre, par la hardiesse des empâtements, la fulgurance des éclaboussures. J’aime que mes portraits soient des hommages flirtant dangereusement avec l’agression, à cheval entre ressemblance et défiguration. Je veux que le spectateur se fasse happer par une présence impossible à ignorer, qu’il soit cloué sur place, saisi par la monstrueuse réalité que peut contenir un regard. Car tout se joue dans un visage. »
Depuis son engouement pour le portrait texturé, le succès populaire des peintures de Mathieu Laca ne cesse de croître. Ses œuvres apparaissent dans de nombreuses collections. Il est représenté par la galerie Salon Art Club à Montréal, Orange Art Gallery à Ottawa et la Thomson Landry Gallery à Toronto.
Titre : Jordi Bonet. Huile sur toile de lin. Année, 2022. Dimensions 28 x 24 pouces.
Présentation des artistes
Élaine
Despins
Élaine Despins a obtenu une maîtrise européenne en beaux-arts et nouveaux médias en 2010. Ses œuvres ont été présentées à travers le Canada et les États-Unis et se retrouvent dans les collections privées et corporatives. Elle est récipiendaire des bourses du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et de la fondation internationale Elizabeth Greenshields. Ses pastels reçoivent de nombreuses distinctions tant au Canada qu’aux États-Unis et le tableau, Inward Gaze, présenté lors de la compétition canadienne du portrait s’est vu décerner le prix Kingston. Élaine Despins vit et travaille à Montréal et sa pratique en atelier comprend principalement, la peinture à l’huile, le fusain et le pastel.
À la suite d’une pratique intensive de travail d’observation, il m’arrive également d’explorer des représentations du corps en absence de toute référence. De cette obscurité, les formes émergent de mon inconscient et font écho à l’aspect mystérieux de la vie.
Titre : Portrait Nocturne. Huile sur toile. Dimension : 7 x 7 pouces.
Présentation des artistes
Tania Lebedeff
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Tania Lebedeff a étudié à l'École des Beaux-Arts de Montréal pour y obtenir un diplôme suivi d'un baccalauréat en pédagogie artistique de l'UQAM. Elle a enseigné la peinture et le dessin créatif plus de quarante-cinq ans tout en poursuivant sa propre démarche en peinture. Elle expose au Québec depuis le début des années 80. Ses œuvres sont en galerie et ont aussi été vues au Japon, en République tchèque et en Bulgarie et font partie de différentes collections notamment celles de la Fondation Paul-Émile Borduas, à Mont-Saint-Hilaire, de la Ville de Saint-Jean-sur-Richelieu, de la Ville de Saint Basile, de la bibliothèque nationale, etc. Elle a obtenu quelques prix et mentions. Bien impliquée dans la communauté artistique de sa région, elle est directrice artistique en arts visuels de 1995 à 2012 du centre Arts-Station à Mont-Saint-Hilaire dont elle est co-fondatrice. Elle est aussi membre du RAAV.
Douceur, légèreté, mouvement, sensibilité, suggestion.... Voici que nous apparaît un être empreint de mystère, à la fois matériel et immatériel qui semble poser la question à laquelle nous ne répondrons que par d'autres questions....
Titre Être. Médiums mixtes et huile sur papier Arches, 30 x 32 pouces.
Présentation des artistes
MONTSERRAT DURAN MUNTADAS
Montserrat Duran Muntadas est une artiste née en Catalogne vivant à Montréal. Elle a complété en 2010 un baccalauréat en beaux-arts à l'Universitat de Barcelona (Espagne). Elle est aussi diplômée du Centro Nacional del Vidrio à la Real Fabrica de Cristales de La Granja (Espagne). Au fil des ans, elle a participé à plus de 30 expositions collectives nationales et internationales et en 2015, elle a eu sa première exposition solo à la Galerie Espace VERRE à Montréal. De plus, elle a été finaliste et lauréate de plusieurs prix tels que : RBC Award for Glass 2017 et le Prix François-Houdé 2019 ainsi que de nombreuses bourses du Conseil des Arts et Lettres du Québec, Bourse ForCGal et le Conseil des Arts du Canada. Ses œuvres font partie de nombreuses collections, dont celle de la Ville de Montréal, du Musée des métiers d'art du Québec, ainsi que celle de la North Lands Creative Glass, en Écosse.
En tenant le verre comme matériau de prédilection, elle l'allie à d'autres matières d'une façon paradoxale.
Titre de l’œuvre suspendue : Leio My Oma (orange), année 2020, matériaux : verre soufflé et tissu, dimensions 145cm x 30cm.x 40cm.
Présentation des artistes
Daniel
Vincent
Bernard
Originaire de la Montérégie, Daniel-Vincent Bernard est titulaire d’une formation universitaire en arts visuels. Il bénéficie en plus d’une expérience de travail avec l’artiste Jordi Bonet, et ce durant plus de cinq ans. Depuis, il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives à Montéral, Toronto, Régina, New York, ainsi qu’à Miami. L’artiste a acquis, au fil des ans, un savoir-faire qui lui permet de manipuler avec aisance les matériaux les plus modestes, du fil de fer au câble coaxial en passant par les matériaux les plus nobles, l’aluminium et le bronze. À titre de sculpteur, il a pris part à plusieurs projets d’intégration des arts à l’architecture dont certaines œuvres figurent au centre-ville de Montréal. Daniel-Vincent Bernard a donné également de nombreux ateliers dans le cadre du programme de « La culture à l’école ». On peut retrouver aussi, dans plusieurs municipalités, des arbres sculptés par cet artiste qui rend hommage à ces géants de bois en leur donnant une seconde vie par ses sculptures.
Titre de l’œuvre : Madone, année 1999, mixtes médias sur carton, dimensions 10.5 p x 13.5 p.
Présentation des artistes
Bob
Desautels
Né en 1949, Robert Desautels vit et travaille à Montréal. Le caractère perceptible de sa prédisposition artistique se manifeste dès le collège. Dès les années 70, Desautels fait sentir sa présence sur la scène artistique montréalaise dans les mouvements d’avant-garde : Art performance, Installation, etc. Les années 80, avec le mouvement des peintures en direct aux Foufounes Électriques, lui permettront de devenir chef de file de toute une génération. La collection Lavalin s’intéressera à sa peinture et fera l’acquisition de plusieurs de ses toiles, qui se retrouvent aujourd’hui au Musée d’art contemporain de Montréal. Parallèlement, il expose à New York à la Pat Hearn Gallery, où il connaît un vif succès. De retour à Montréal, il poursuit sa recherche sans compromis, côtoyant les Vaillancourt, Lemoine, Deschênes et autres mentors de la scène artistique. Desautels pousse l’audace jusqu’à former un groupe de peinture, le groupe P.D.G., avec ses amis de longue date : Michel Pedneault et Pierre Gaudreau. L’originalité du groupe se résume à peindre à trois simultanément sur une même toile. Depuis, Desautels poursuit sa carrière, continuant à peindre avec obstination.
Titre de l’œuvre : D’instinct, année 2017, acrylique, dimensions 28 p x 37 p.
Facebook : Bob Desautels
Présentation des artistes
Pascal
Normand
Pascal Normand naît en 1979 à Notre-Dame-des-Laurentides, au Québec.
Au tournant des années 2010, le travail numérique, à partir de la photographie nocturne, suscite rapidement son intérêt. Issu d’un parcours en cinéma, il se consacre depuis 13 ans à la création et à la promotion de son oeuvre picturale. Activement représentées en galerie, ses créations s’inspirent de l’imaginaire urbain. La signature qu’il développe s’affirme et gagne en reconnaissance. À titre indépendant, il en assure la circulation et multiplie les occasions de rencontre avec le public lors de manifestations artistiques comme le New Art Festival d’Ottawa, le Toronto Outdoor Art Fair (TAOF) ou encore Artist Project Toronto. Plusieurs expositions solos dans des centres culturels figurent également à son parcours.
Divers prix et reconnaissances lui sont décernés depuis ses débuts, entre autres au festival Montréal en Arts en 2018 et 2021. Le 3e grand prix au 34e Gala international des arts visuels de Montréal mènera ses oeuvres en France où une médaille d’or lui sera remise.
Titre de la photographie : CLC LTD, 2020. Dimensions 71 x 142 cm. Première d’une série de 25.
Présentation des artistes
Pierre
Dury
Né à Montréal en 1945, Pierre Dury est l’un des photographes les plus polyvalents du Québec. Son expertise survole les milieux de la musique, du cinéma, de la mode, de la publicité et du reportage. Actif depuis 1969, ses images furent publiées dans plusieurs magazines de prestige, notamment Clin d’Oeil, Elle Québec, Châtelaine, l’Actualité, MacLeans, Toronto Life et Paris Match.
Diplômé de l’École des Beaux-Arts en 1967, il s’adonne à la peinture et expose plus de 60 tableaux à la galerie Martin dans le Vieux-Montréal. Au grand désarroi de son père, Pierre abandonne le métier de peintre en 1969 pour se consacrer à celui de photographe. Il travaille pour les périodiques Écho Vedettes, Photo Vedettes et Nouvelles Illustrées chez Québecor, ce qui lui ouvre les portes du showbussiness. Il couvre les spectacles à grand déploiement tels Led Zeppelin, Chicago, Jethro Tull, Chuck Berry, B.B.King, James Brown etc…
De 1972 jusqu’à aujourd’hui, Pierre Dury a travaillé à titre de photographe de plateau sur 74 productions cinématographiques.
Photo de René Lévesque, 1974. Dimensions 17 x 24 pouces. Première d’une série de 10.
Présentation des artistes
Daniel
Racine
Berthiaume
Apprentissage de l’écriture et du piano à quatre ans. Le dessin, un an plus tard. Latin et grec, 1960-63. Beaux-Arts, 1969-71. Coanimation à l’émission Téléchrome, 1971-72. Création de l’Écran, 1973 (premier magazine québécois de bandes dessinées en quadrichromie, non subventionné dont l’influence sera marquante, quoiqu’on en pense). Dessin industriel, 1976-77. Rédaction d’un oratorio historique, texte et musique, 1978. Dessin judiciaire pour le service de l’information de Radio-Canada, 1978-79. Cinéma d’animation (épurés, Potterton, 1980-81). Rédaction de l’émission Micro-Monde, Radio-Canada, textes, recherches, mise en scène, programmation,1984. Musique de scène pour « Quatre-Voix, Une Parole », Radio-Canada, 1985. Design de meubles 1986-89. Direction d’internat, 1989-91. Éditeur pour la Direction générale de l’Enseignement collégial et supérieur, 1991-92. Retour en cinéma d’animation 1993-98. Conception graphique pour le magazine Luluberlue, 2006. Résurrection et redémarrage de la «machine humaine», 2008-2016. Perfectionnement de la photo (de paysage, principalement) 2013 à ce jour. En attendant, il faut lire « Les Cartouches » gratuitement en ligne chez Moelle Graphik!
Titre de la photographie : Crépuscule automnal derrière l’église Saint-Paul, 2022. Dimensions 8.5 x 11 pouces
Facebook : Daniel Racine Berthiaume
Présentation des artistes
Gilbert
Poissan
Dans un monde fasciné par le virtuel qu’il ne cesse de domestiquer à des fins créatrices, Gilbert Poissant conserve un intérêt profond pour la matière, pour lui gage d’authenticité et d’ancrage dans la réalité des choses. Céramiste de formation, il en est venu à transformer sa pratique, à la métisser en lui intégrant d’autres horizons techniques et esthétiques. Cet artiste multidisciplinaire touche à la fois la céramique, la sculpture, l’installation et la murale et utilise des matériaux divers tels le bois, le papier et l’objet trouvé ainsi que les procédés numériques. Reconnu pour sa contribution à l’art public, il est l’auteur d’une quarantaine d’œuvres intégrées à l’architecture.
Titre : Icare, 2011 Techniques mixtes (encre, aquarelle, impression de jet d’encre) Dimensions 37 cm x 100 cm.
Présentation des artistes
Micheline
Bourque
Dès son jeune âge, Micheline Bourque explore le monde magique des couleurs. En 1977, un déclic se fait sentir lorsqu’elle visite un atelier. Dès lors, sa passion se déchaîne. Elle participe à plusieurs ateliers d’art avant de gonfler les rangs comme étudiante en arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal. Elle obtient son baccalauréat en 1999.
Sa démarche en peinture demeure intuitive. Les tableaux sont amorcés d’une manière gestuelle et elle se laisse guider par la couleur. Elle ne décide pas d’un sujet, c’est plutôt comme s’il se présentait tout seul. De cet abandon surgit un visage, un personnage, un animal, un lieu, souvent précurseur d’une série à venir. Conséquemment, les sujets semblent émerger d’un monde onirique. La générosité des formes et la richesse des couleurs, de Micheline Bourque, ne sont pas sans nous rappeler la période romantique.
Eau Culte fait partie de la période Mélancolie Lumineuse. C’est une œuvre sur toile avec techniques mixtes : acrylique, sable, coton fromage.
Présentation des artistes
Johanne
Blaquière
Johanne Blaquière est née à Saint-Hyacinthe. Elle étudie à l'Université du Québec à Montréal et obtient son diplôme en design graphique. Elle consacre plusieurs années de sa vie à travailler comme graphiste, puis sa carrière bifurque vers le dessin et la peinture. Depuis plus d’une décennie, elle œuvre dans l'enseignement de l'art en Montérégie, tout en continuant sa production personnelle.
Artiste internationale, Johanne Blaquière a reçu plusieurs prix d’honneur dont deux principaux : 1er prix pour l’ensemble de son œuvre et la proclamation d'Académicienne aux Beaux-Arts du Québec 2013, puis obtient le titre de Maître en Beaux-arts en 2019.En 2014, elle est choisie artiste de l'année au Legacy Art Show, Albuquerque Nouveau-Mexique.
Pour l’œuvre Jump over it, j'ai utilisé une technique pour stimuler ma créativité: l'émergence. J'utilise les formes abstraites que je crée aléatoirement et j’y fais ressortir les éléments plus concrets. Ici, c'est ce cheval bondissant qui est apparu. Il représente le courage de continuer, de passer outre des épreuves qui sont sur notre chemin pour en ressortir grandi.
Présentation des artistes
Geneviève
Lebel
Geneviève LeBel est originaire de Squatec dans le Témiscouata, au Québec où elle naît au milieu des forêts et des rivières, entre les lacs profonds et le grand fleuve. Elle grandit au gré du vent et elle invente ses jeux. Ses mains sont fébriles, curieuses et créatrices. Elle semble chercher quelque chose : elle dessine, elle arrache, elle attache, elle façonne sans relâche dans un éternel dialogue avec la matière. Celle-ci semble lui répondre.
Geneviève LeBel vit à Montréal. Elle travaille la sculpture et le dessin à son atelier situé au pied du stade olympique.
Ses travaux se veulent une interprétation poétique d'une réalité passée et présente, des lieux et des gens qu'elle a connus, mais surtout du ressenti qu'elle en garde. En pleine émergence, on a pu voir son travail en 2022 au Musée des Beaux-Arts de Mont-St-Hilaire, à la Maison de la Cuture du Plateau Mont-Royal, à la galerie Roccia de Magog et en plusieurs autres lieux d'exposition et encans.
Tu sais, la vie, elle est belle, ou apprécier la vie quand elle passe.
Nous sommes passés collectivement par cette période unique que fut le confinement de 2020. Ce dessin représente pour moi le calme, la paix et l'acceptation de toutes situations, même les plus difficiles.
Année de réalisation: 2020. Dessin, pastels secs sur papier Strathmore série 300. Dimensions: 18’’ x 24’’
Présentation des artistes
Amer
Rust
Amer Rust est un artiste autodidacte ayant obtenu le statut professionnel d’artiste en arts visuels. Ses années d’expérience dans le domaine des arts graphiques et de la transformation des métaux l’ont amené à créer avec les techniques de gravure et d’oxydation qu’il développe depuis une dizaine d’années. Depuis 2018, ses œuvres ont été présentées dans diverses expositions solos et collectives ainsi que dans des foires d’art aux États-Unis. Il expérimente constamment de nouvelles manières de travailler avec les réactions chimiques que les agents oxydants provoquent sur l’acier afin de créer différentes textures et couleurs avec son médium qui permet de faire ressortir le plein potentiel chromatique que l’acier renferme.
Les sujets de ses récentes créations s’inspirent directement de l’usure et de la dégradation créées par l’oxydation et la gravure à l’eau-forte. Ainsi, le tableau d’acier oxydé « GR114 » (2021) fait partie d’une série d’œuvres de l’artiste incorporant des motifs en relief inspirés de phénomènes géologiques affectés par l’érosion.
Présentation des artistes
Lorens
Bonet
Lorens Bonet est un artiste multidisciplinaire d’origine catalane. Il est d’abord initié à la peinture et à la sculpture aux Ateliers Jordi Bonet où il collabore à la réalisation d’immenses murales d’aluminium, de bronze et de ciment qui sont installées dans plusieurs pays. Il poursuit son apprentissage aux Beaux-Arts de Paris avec Nicolas Wacker et y maîtrise la technique mixte attribuée à Jean Van Eyck. Enfin, il complète son parcours auprès de l’ébéniste français Pierre Géraud, ce qui l’amène à la production de mobilier d’art d’exception. Son cheminement artistique s’étoffe d’une longue carrière de sculpteur-mouleur sur les plateaux de cinéma. Il excelle dans la fusion de métaux et de résine. Il se passionne pour l’art numérique, qu’il intègre à ses œuvres en jumelant les techniques classiques et contemporaines.
Laurent Bonet: Tête de jeune homme 2022. Huile sur panneau d’aluminium 16’’ x 16 ‘’
Page Facebook : Lorens Bonet
Présentation des artistes
Philippe
Mérizzi
Il a étudié en arts visuels au collège Montmorency à Laval. Il s’inscrit en graphisme au cégep Marie -Victorin à Montréal. Il mène une double carrière de graphiste et de peintre professionnel. Il exploite le mouvement de l’expressionnisme abstrait, soit une approche intuitive et expérimentale suggérée par la musique. L’acte de création est suscité par des moments pulsionnels, la toile devenant une arène créative. Les sons disparaissent instantanément après leur production, la peinture reste et témoigne seule des multiples échelles rythmiques et harmoniques et des jeux polyphoniques et chromatiques constituant la musique.
Courriel: pmdesigngraph@hotmail.com
Présentation des artistes
Francine
Metthé
Toute ma jeunesse est imprégnée de culture. La musique, le théâtre, l’écriture, la lecture et le cinéma, sont des passions qui me nourrissent depuis toujours. Un séjour de 5 ans en France, m’a permis de m’o uvrir sur de nouveaux univers culturels. En 2007, une résidence d’artiste de cinq mois à Barcelone, m’a permis de me tailler une place en Art Conceptuel, avec un projet sur l’Identité Globale, qui a été très bien accueilli par le jury et exposé avec onze autres artistes Catalan, au Centre d’Art Contemporain Can Sisteré de Santa Coloma de Gramenet, Barcelona. Depuis 2006 l’installation a pris une place importante dans ma démarche me permettant de m’exprimer avec plus d’acuité sur mes thèmes de prédilection, telles que l’identité, la mémoire et la communication.
Courriel: francinemet@gmail.com
Présentation des artistes
Frédéric
Metthé
Je suis né à Saint-Jérôme en 1949. Dès l’adolescence, je me passionne pour la musique, les arts visuels, l’écriture et le théâtre. Comme pianiste compositeur, en 1974 je fais une première tournée de concert en France et une deuxième au Québec en 1984. De 1987 à 1989, je suis directeur musical chez Cinéma Cinéma Films Corporation. Durant toutes ces années d’écriture musicale, plusieurs albums ont vu le jour et ma passion pour les arts visuels est demeurée intacte. Entre 2003 et 2010, j’expose mes toiles dans une vingtaine de centres culturels, dont le musée des Beaux-arts Mont-Saint-Hilaire qui fait l’acquisition d’une de mes toiles. Toute ma vie, j’ai expérimenté plusieurs facettes de l’art.
Courriel: fmetthe@hardcoded.net
Présentation des artistes
Melsa
Montagne
Melsa Montagne a obtenu son diplôme en arts visuels en 1998 au Cégep de Montmorency. En 2008, elle a décidé de se consacrer à temps plein à sa pratique artistique. Melsa est très active sur la scène montréalaise et participe à de nombreuses expositions, festivals, projets collectifs, murales extérieures, encans et concours. Elle a remporté de nombreux prix, dont le premier prix du festival Mtl en Arts 2016.
Description de l’oeuvre
La gestuelle abstraite de l’artiste se veut toujours inconsciente et instinctive. Cette œuvre donne l’impression de voir un corps d’oiseau avec une tête humaine, une créature en est sortie. Elle symbolise une forme de liberté que l’humain idéalise. Devenir le témoin secret de diverses situations. Observateur assis sur sa branche à regarder sans que personne s’en aperçoive les injustices de ce monde. Ce volatile humanoïde est alors spectateur un jour et deviendra chevalier un autre jour.
Courriel: melsamontagne@gmail.com
Présentation des artistes
Samuel-
Jacques
Charbonneau
Samuel Jacques-Charbonneau est un artiste en arts visuels qui est né à Beloeil en 1985. Sa carrière artistique s’amorce au début de la vingtaine alors qu’il explore la peinture abstraite, principalement inspiré par la nature du Mont-Saint-Hilaire. Au fil des ans, il rencontre et côtoie des artistes reconnus, tels André Michel et Jean Letarte qui deviennent, pour lui, des mentors. Ses œuvres sur toile ou sur papier donnent ensuite vie à plusieurs personnages, des êtres déformés par la douleur et l’angoisse qui crient leurs états d’âme. Au cours des dernières années, Samuel crée une impressionnante série de grands autoportraits qui sont autant de visages imaginaires aux formes géométriques.
Description de l’oeuvre
Quand j’ai commencé à peindre avec Laurent Bonet, il m’a invité à explorer le monde des personnages, moi qui ne connaissais à peu près que l’abstrait. Ce qui ressortait le plus, ce sont ces visages où se confronte une certaine dualité. Après réflexion, j’ai compris que ces personnages étaient moi.
Page Facebook: Samuel Jacques – Charbonneau
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Sylvie
Racine
C’est véritablement autour de l’univers féminin que ma créativité a toujours été axée. D’abord créatrice de mode, plus particulièrement attirée par les vêtements somptueux d’autrefois, j’ai créé mon propre musée où j’exposais de petites dames de mode haute de trois pieds évoquant différentes époques, du Moyen Âge aux Années folles. Ce musée a d’ailleurs fait l’objet de plusieurs bourses, dont une du ministère des Affaires culturelles du Québec. Puis, j’ai exploré le vaste univers de la peinture. J’ai donné vie à des personnages venus d’ailleurs en tentant d’y faire transparaître l’émotion qu’ils m’inspiraient. Tantôt nostalgiques, tantôt énigmatiques, ils nous entrainent dans leur intimité. Tous ces visages sont évocateurs de notre condition humaine.
Description de l'oeuvre:
Le troubadour est une des œuvres réalisées à l’acrylique qui témoigne de mon cheminement personnel au fil de plusieurs années d’introspection.
Page Facebook: Sylvie Racine
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Huguette Bouchard
Bonet
Huguette Bouchard Bonet, Ahuntsic 1933, Mont-Saint-Hilaire 2018. Sa formation à l’École des Beaux-arts de Montréal lui permet de rencontrer son futur mari, Jordi Bonet. Ensemble, ils ont été des pionniers sur la scène artistique des arts visuels au Québec. Céramiste d’exception, ses œuvres évoquent une grande quête d’amour et restent purement et simplement des chefs-d’œuvre sur le plan technique. Elle enseignera la céramique durant huit ans au manoir Rouville-Campbell. Elle produit 22 expositions, principalement à Montréal, Québec, Toronto et à New York. Ses œuvres se retrouvent dans diverses collections, entre autres au Musée des Beaux-Arts de Montréal et aussi en Europe et en Asie.
Ce vase en céramique, créé en 1994, illustre trois femmes qui portent dans leurs mains un serpent sur lequel reposent une colombe. Celles-ci, symbolisant la création, montrent que tout peut s’apprivoiser et s’harmoniser.
Présentation des artistes
Jordi
Bonet
Jordi Bonet, Barcelone 1932, Montréal 1979. Peu de temps avant la guerre civile espagnole, à l’âge de 7 ans, il perd son bras droit lors d’un accident. Son père l’initie très jeune aux jeux des formes et des symboles à travers l’art catalan et l’architecture. Au début de la vingtaine, il change de continent, le parachutant dans un pays jeune où la culture est en plein essor. Cette période de foisonnement, au Québec, est providentielle et lui permettra de s’imposer en tant que sculpteur.
Son travail colossal, plusieurs centaines d’œuvres réalisées en peu de temps (1932-1979), illustre son dévouement envers l’art. Doté d’une curiosité hors du commun pour la nature humaine, il entre dans une longue réflexion sur la vie, l’amour et la mort. Soucieux des autres, son désir de partager est au cœur de ses rencontres. « L’art constitue la richesse collective de tous et chacun a droit de le rencontrer dans sa ville, sa rue, sa maison parmi ses objets quotidiens. »
Cette huile, créée dans les années 50, est le portrait d’une jeune modèle du quartier gothique de Barcelone. Elle fait partie d’une série limitée des portraits que Jordi Bonet a faits à Barcelone.
Présentation des artistes
Jérôme Poirier
Jérôme Poirier naît en 1956 à Montréal. Sa mère est peintre/sculpteure formée à l’école des beaux-arts de Montréal ainsi qu’auprès du peintre Paul-Émile Borduas. Son père pratique le métier d’orfèvre. Jérôme Poirier dessine, sculpte et peint depuis son enfance. À l’adolescence, il s’intéresse particulièrement à la sculpture sur bois. Dans les années 70 et au début 80, il expose au Salon des métiers d’art de Montréal, de Toronto, et à l’Ontario Crafts Council Gallery où il remporte plusieurs prix d’excellence pour sa production et sa présentation. Depuis 1996, il a travaillé en tant que peintre et sculpteur scénique pour le cinéma, le cirque, les musées et l’art public.
Le tableau Inattendu a fait partie de l’exposition solo, Nous ne sommes pas au monde, à la Galerie Blanche en 2018. Plusieurs tableaux de cette exposition ont fait partie d’une recherche sur l’immatériel, dontInattendu qui a été terminé en 2020.
Présentation des artistes
Marie-France Cournoyer
Elle vit et travaille à Saint-Charles-sur-Richelieu. Elle a complété un baccalauréat en arts visuels à l'Université du Québec à Chicoutimi et à l'Université du Québec à Montréal et y a obtenu une maîtrise sous la direction de Michel Goulet. Elle a présenté plusieurs expositions individuelles dans les Maisons de la Culture de Montréal, les Centres d'artistes en région et elle a participé à des expositions collectives à New York, Brooklyn, Chicago et Montréal. Ses œuvres ont été acquises dans plusieurs collections privées et publiques.
Site Internet : www.mariefrancecournoyer.com
C'est quand les fleurs
Collagraphie encre / 2e d'une série de 10 / 75X95 cm
C'est quand les fleurs est une collagraphie qui permet d'explorer une facture brute. Les fleurs, le sofa et l'écriture imposent une présence d'instabilité, opposent une circulation entre le dedans et le dehors. Cet espace de grisaille et de noir intense accentue l'évocation d'une atmosphère trouble et mélancolique.
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Sébastien Gaudette
Sébastien Gaudette est un artiste qui vit et travaille à Montréal. Après ses études universitaires en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal (UQÀM), il entreprend ses recherches autour du médium du papier, explorant les multiples facettes du froissement du papier dont il réalise de parfaits trompe-l’œil par le dessin, l’écriture et la sculpture.
Les œuvres de Gaudette ont été exposées dans divers endroits au Québec, notamment aux Musées des beaux-arts de Sherbrooke et de Mont-Saint-Hilaire, au Musée du Bas-Saint- Laurent, au Centre national d’exposition de Jonquière, au Cirque du Soleil ainsi que dans plusieurs Maisons de la culture. Il a également participé à des événements de bienfaisance, dont l’encan du Musée d’art contemporain de Montréal et celui des Laurentides. Sur la scène internationale, il a été invité à exposer à l’Art Helix Gallery de Brooklyn, en plus d’avoir présenté son travail lors de plusieurs foires internationales, dont Art on Paper à Miami, Seattle Art Fair ainsi que la Foire Papier à Montréal. L’artiste a aussi réalisé plusieurs résidences de recherche qui lui ont permis d’explorer sa démarche dans différents contextes de création.
Son travail est représenté par la Galerie Robertson Arès.
Présentation des artistes
Cédric loth
Né en 1955 à Saint-Jérôme, il est le plus jeune caricaturiste en 1974 au Devoir, puis au quotidien Le Soleil et au Time Magazine. Par la suite, il multiplie ses disciplines artistiques. De nombreux médiums le fascinent, la sculpture en bronze (La leçon), la gravure et surtout l’eau-forte. Sa passion pour la BD l’entraine vers le dessin animé ainsi que les contes et les livres pour enfants qui comportent de fortes influences du 19e siècle. C’est en 1982 qu’il publie le premier best-seller de bande dessinée au Québec, Atlantic City. Durant cette période, il collabore aussi avec le célèbre magazine pour adulte Métal hurlant, publié dans plusieurs langues. En 2019, après de trop longues années mémorables en publicité, il fait son retour avec le nouvel album Spray, aux Éditions Mosquito.
Cette œuvre créée par Cédric Loth en 2022, reprend un personnage qui l’habitera au début des années 80 et qui provient de l’époque où il travaillait pour Métal hurlant. Il invente, entre autres, les personnages de Harry Zona et de Handle Withcare. On a qu’à lire ces noms pour deviner qu’il a un singulier sens de l’humour ! Harry Zona est un cowboy moderne, rebelle qui aime la mécanique à la Steve McQueen.
Présentation des artistes
Marie-Josée Thomas
Née à Montréal en 1972, cette artiste professionnelle émergente en arts visuels aborde la notion de la mémoire et celle du territoire. Elle porte un regard investigateur et cherche des réponses dans les textures et la matière comme témoin du passé avec une intention proche de celle des archéologues. Sa technique d’impression singulière lui permet de transcrire les détails de la matérialité des lieux qu’elle fréquente, afin de les mettre en lumière. Ses œuvres sont donc les témoins de son passage, de son parcours. Ainsi, elle propose une manière de laisser sa trace. Motivée par le désir de reproduire les images qu’elle perçoit dans les textures et qui se forment dans son imaginaire visuel, elle développe ses propres techniques de conception plastiques comme le monotype au papier carbone.
Cet agrandissement imprimé au jet d’encre, d’une série de 18, est tiré d’une série de petits formats originaux (60) présentés dans le cadre d’une exposition individuelle majeure qui a eu à la Station Gallery en banlieue de Toronto en automne 2021. C’est la sérieMacrocosmes inspirée de la série originale des Microcosmes.
mjthomas-art.com
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Brigite Normandin
Native de Saint-Bruno de Montarville, Brigite Normandin est une artiste chevronnée qui compte à son actif de nombreuses expositions. Ses oeuvres font partie de plusieurs collections privées, ici et à l’étranger. Installée à Sutton (Canton de l’Est) depuis 1990, elle travaille et s’implique bénévolement dans les organismes culturels qui font la promotion d’artistes de la région. C’est dans cet esprit qu’elle acquiert avec son conjoint une ancienne Église Unie pour y fonder, en 2014, la Galerie Art Plus.
Parallèlement à ses activités de galeriste, elle ne cesse jamais de se vouer à son art. Au rez-de-chaussée de sa galerie, on découvre son univers où les objets-artéfacts les plus variés se côtoient intimement : livres anciens, fragments d’os, pièces de métal et trésors de toutes sortes. Sa production artistique est complexe, en marge des tendances et des dogmes : elle nous présente un miroir très personnel de notre humanité.
Graphium sarpedon et fossile
Ce dessin, de 2022, à l’encre sur palimpseste raconte l’histoire en superposant l’ancien et le nouveau. Le Graphium nous incite à faire face à la précarité de la santé des créatures de nos milieux naturels. La fonction de l’ardoise gravée sert à se remémorer l’espèce qui y a laissé ses traces fossilisées.